Si a esta película se le añadiera un poco de minimalismo autoimpuesto, podría tener mucho más éxito como estudio de personajes.
Como “Between the World and Me” de Kamilah Forbes, “Malcolm & Marie” de Sam Levinson y Doug Liman (Doug Liman) Como “Locked Down” de Natalie Morales, “Language Class” de Natalie Morales es obviamente un producto de nuestra era de confinamiento, y su premisa es especialmente adecuada por sus limitaciones técnicas.Mark Duplas (Marc Duplas) (escribió el guión con Morales) interpreta a Adam, un nuevo alumno a distancia de Cariño (Morales), un profesor de español en Costa Rica.Su rico marido, Will (Desean Terry), se inscribió en el curso como regalo de cumpleaños.Rápidamente estableció una conexión con Cariño, que se fortaleció tras una tragedia inesperada.
La acción de la película se desarrolla casi en su totalidad a través de una serie de chats con cámara web, que normalmente cambian entre las pantallas de los portátiles en la escena, lo que demuestra que la fascinante forma de actuar supera en gran medida la vergüenza inicial.Además, aunque la separación de los actores limita el número de reacciones químicas que pueden crear, en ocasiones añade una sensación de originalidad de la que pueden carecer en las películas tradicionales.Cuando los personajes miran directamente a la cámara, se centran con mayor claridad en los momentos frágiles.Concentrarse en.
Las clases de idiomas también utilizan sus perspectivas limitadas para ampliar sus conflictos centrales de maneras interesantes.Después de que Adam se dio cuenta de que su mansión contrastaba marcadamente con el entorno más humilde de Cariño, gradualmente admitió que se sentía culpable por sus privilegios en relación con los de ella, y sus videollamadas proporcionaron información limitada.Es una forma eficaz de explicar eficazmente cuánto puedes hacer.Comprender la vida de los demás.
Al igual que “Paddleton” de Alex Lehmann (también coprotagonizada por Dupras), “Language Lesson” demostró su gran interés en el romance platónico.Es uno de los acuerdos de relación menos conocidos en la industria cinematográfica.Ambas películas exudan una calidez discreta, pero los personajes aquí no son tan idiosincrásicos, lo que significa que pueden superar el umbral básico de similitud, pero solo pueden llevar la historia hasta cierto punto.Aunque hay indicios ocasionales de que Cariño puede estar actuando para la cámara, y a Adam no se le permite participar en todos los detalles de su vida fuera del curso, el visor de la película impide que esta idea se explore de manera significativa.En ausencia de momentos o interacciones personales en el mundo real, los diálogos pueden volverse demasiado ilustrativos, ya que se ven obligados a asumir la mayor parte de la narrativa pesada por sí solos.
Durante la llamada anterior de solo voz, accidentalmente encendió la cámara y expuso brevemente a Adam con la cara magullada y los ojos oscuros.Carinho, avergonzado, de repente se retiró y estableció con él un maestro más profesional.Relaciones y deseo reciente de mantener su vida privada.Al final, los dos se vieron obligados a enfrentar las diferencias del otro, y algunas discusiones fueron demasiado claras sobre las inseguridades y estereotipos que amenazaban su próspera amistad.Al principio, la tensión entre clase, raza y género detrás de este intercambio intercultural fue sutilmente minimizada, por lo que cuando la historia adopta un tratamiento más intuitivo del tema, es algo vergonzoso.La revelación final de la trama también puede ser demasiado.Demasiado.Si a esta película se le añadiera un poco de minimalismo autoimpuesto, podría tener mucho más éxito como estudio de personajes.
Actores: Natalie Morales (Natalie Morales), Mark Duplass (Mark Duplass), Disney Terry (Desean Terry) Director: Natalie Morales (Natalie Morales) Guión: Mark Diplas (Naslie Morales), Natalie Morales (Natalie Morales) Tiempo de estreno: 91 minutos Calificación: NR Año: 2021
Los personajes de esta película están llenos de miedos paradójicos que sólo pueden ocurrir en sueños.
“Fabian: Going the Dogs” de Dominik Graf comienza con un lento tranvía que baja las escaleras hacia la hermosa estación de metro de Berlín.Aunque cualquiera que esté familiarizado con el material original de la película, como la novela de Erich Kästner “Los fabianos: una historia de moralistas” publicada en 1931, espera que esta historia se desarrolle en dos lugares de Alemania.Entre la Segunda Guerra Mundial, pero ahora es obvio para nosotros, porque la gente en la pantalla lleva, entre otras cosas, polos y vaqueros.Sin embargo, cuando la cámara pasa por la estación y sube a la escalera de enfrente, el viajero se pondrá la ropa del momento esperado.La cámara sube las escaleras y finalmente nos sitúa en la zona oscura de la República de Weimar, o al menos cuando Graf realiza conscientemente simulaciones incompletas de la misma.
Otros carteles indican que, desde las calles de cemento negro hasta los destellos particularmente obvios de stolpersteine, todos estamos en el momento, con tropiezos de latón incrustados en las aceras para conmemorar a las víctimas del Holocausto.El Tesla de Michael Almereyda recordó que este enfoque telescópico de las novelas históricas enfatizaba nuestra posición respecto a los acontecimientos observados.Sin embargo, el método de Graff puede resistir dispositivos de alienación sobreestimulantes, como que el narrador reste importancia a las entradas de Google que tiene a su alcance.Además, la estética lúdica, severa y loca utilizada por los realizadores encaja con su tema, es decir, la sociedad caótica de la efímera República de Weimar.La agitación y la ansiedad generalizada de la República de Weimar han generado al menos parte del arte y la vida más importantes de Berlín.Experimentos locos, antes de que fueran sofocados por el deslizamiento del Estado alemán hacia el fascismo.
Después de que se abre la lenta y metódica lente de seguimiento, Fabián genera una serie de imágenes, alternando rápidamente entre una película granulada de baja especificación y un vídeo digital descolorido.Nos presentaron a Jakob Fabian (Tom Schilling), un veterano licenciado en literatura, sorprendido, y en una noche ruidosa, estaba listo para asumir el trabajo de redactor publicitario.Fabián regresa a casa con una mujer mayor (Meret Becker), sólo para descubrir que necesita firmar un contrato con su marido para acostarse con ella, e incluso puede tener derecho a una compensación.Cansado de la cínica mezcla de abandono de negocios y trámites oficiales, que fue la base de su transferencia de la vida nocturna berlinesa, huyó de nuevo a la noche.
En todo el mundo, Fabián no puede hacer frente al espíritu de la época, y el abandono desesperado de las relaciones humanas determina el camino de la vida de todos los que conoce.Un colega incompetente le robó la idea de las campañas publicitarias y, como resultado, perdió su trabajo.Poco después conoció y se enamoró de la actriz Cornelia (Saskia Rosendahl) que conoció, y esta última vivía en su edificio.Fabián se vio obligado a aceptarla como amante del cineasta para poder afianzarse en la película.
En general, esta historia sobre la incapacidad de los jóvenes para lidiar emocionalmente con el comportamiento sexual de su amante es una historia desconocida.Pero Graf consiguió animar esta ilusión manteniéndonos a distancia de Fabián, con una narración en off artificial y autorizada (alternando voces masculinas y femeninas).Aunque, o tal vez porque fuimos evacuados de la pareja, su noviazgo se convirtió en la única cosa en el mundo que podía criar un perro.Marcados por el tipo de jóvenes estúpidos e interesantes, inmediatamente se abrieron el uno al otro, conspiraron para evitar al propietario, los hippies en un lago en las afueras de Berlín, y espontáneamente realizaron bailes folclóricos nocturnos entre los fanáticos: la sinceridad de Fabián y Cornelia Romance. rompe con la trágica ironía de la narración doblada.
El noble Albrecht Schuch, colega del proyecto Fabiano, representa una excepción al siniestro ridículo de la sociedad en su conjunto.Labude está muy preocupado por la tesis postdoctoral.También es un socialdemócrata activo y un instigador de los principios de racionalidad y justicia.Con sus ideales, esta persona, al igual que los viajeros que esperaban en el andén al comienzo de la película, parece guardar silencio por el momento.Su pensamiento no se adapta al desarrollo de los tiempos.Quizás por eso Fabián parece estar más desanimado.Tenga siempre la última palabra en su conversación.En un momento, cuando Fabián estaba sólo para observación y no para su propia defensa, Labude preguntó: “¿En qué ayuda esto?”El derrotista de Fabián respondió: “¿A quién se ayudará?”Sombras en capas.
Al final, tanto la frívola agitación política socialista de Labude como la actitud de Fabián como escritor a larga distancia fueron absorbidas por las tendencias históricas.Aunque el libro de Kästner se publicó menos de dos años antes de que los nazis llegaran al poder, transmitía una premonición de que la República de Weimar estaba a punto de terminar, pero no entendía lo que estaba por suceder, pero nosotros y la película heredamos estos terribles detalles, como parte de los nazis.historia mundial.Este oscuro libro satírico de Kästner hace que la gente se quede mirando la sociedad en la que vive su autor.La película utiliza el brillo de sus imágenes, su tiempo y espacio caóticos y la lógica onírica de los cómics grotescos, que recuerdan a las pesadillas del pasado.Su carácter está lleno de una especie de miedo contradictorio, que sólo puede ocurrir en los sueños: el miedo ante el gran desastre es inevitable porque ya ha sucedido.
Actores: Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn (Michael Wittenborn), Petra Kalkutschke (Petra Kalkutschke), Almarscha Stadelmann (Almarscha Stadelmann), Anne Bennent (Anna Bennent), Eva Medusa Gun (Eva Medusa Gühne) Director: Dominique Graff Guión: Dominique Graff, Konstantin Ribb Duración de estreno: 178 minutos: NR Año: 2021
A diferencia de Malcom & Marie, el debut como director de largometraje de Daniel Brühl demostró ser una verdadera automoldeación.
Al lado está el papel de Daniel Brühl como actor en el mercado cinematográfico mundial y el lujo que conlleva, junto con una narrativa de represalia reprimida que se parece a Sam Levinson en la superficie (Sam Levinson) “Malcolm & Marie”.Pero al manipular la película para verificar los derechos de agencia en pantalla del guionista y del director, el debut del director de largometraje de Bruhl resultó ser una verdadera sátira autoproclamada.Brühl no se entregará a la falsa humildad de muchas sátiras de Hollywood;de hecho, “al lado” es la cruel sátira de esta forma de complicidad, en la que las estrellas de cine, e incluso la gente corriente, están en política. Cuando corrigí mi bromuro, viví una vida que me gustaba, haciendo la vista gorda ante el entorno que me rodeaba. , especialmente los muchos casi judíos que podían permitirse el lujo de pagar.Es complicado realizar la supervivencia de los sirvientes de las clases media y alta.
Bruhl interpreta a la estrella de cine Daniel (Daniel), es similar a él en todos los aspectos.Al igual que Brühl, Daniel disfruta de privilegios en Colonia y ha progresado considerablemente en el mundo del espectáculo.Al comienzo de Next Door, Daniel se estaba preparando para una audición en su lujoso apartamento de Berlín para interpretar un papel en una superproducción ultrasecreta, lo que le recordó su papel en Capitán América: Civil War “En el papel.Entonces, como breve, estamos tentados a pensar que esta película será un fragmento ficticio improvisado de la vida de Brühl, que probablemente dependa de la gran audición hasta que aparezcan los obstáculos.Daniel se detuvo en el bar de camino al aeropuerto y lo alojó un Bruno normal y corriente (Peter Kus).En marcado contraste, estas personas realizaron estudios dramáticos: Daniel se vestía pulcramente, hacía ejercicio matutino y tenía hábitos alimenticios sabios, mientras que Bruno era mayor, torpe y aparentemente acostumbrado a comer.Un desayuno más rico y cerveza.Sin embargo, los ojos de Bruno no son suaves, porque desde su primera aparición en la película, este hombre ha exudado sabiduría ácida e ira.
Cuando la gente lucha con su voluntad, el guión de Daniel Kehlmann muestra sutilmente nuestra lealtad.Daniel es un humilde idiota que está en el más mínimo golpe en la película.Una vez le dijo al dueño del bar que estaba feliz de no tomar café fuerte porque era amargo y podía provocarle un infarto.Este gesto es su humilde pensamiento, cuando las personas que realmente pertenecen a ese bar tal vez no necesiten pensar en el concepto de humildad.También hay una broma maliciosa, que al principio es divertida y luego se convierte en una amenaza.En este caso, la gente (desde el dueño del bar hasta sus fans) ingresa a los alrededores del bar sin la atención real de Daniel, quien se manifiesta de manera concisa. Estaba ciego ante el proletariado hasta que éste le obligó a hacer una estimación.
Sin embargo, Bruno definitivamente no es un héroe de clase trabajadora propuesto para el fácil consumo de ricos sermones.El hombre estaba muy descontento, lo manejaba con amargura y, a su manera, era tan calificado como Daniel, como lo demuestra la forma en que se metió en la mañana de Daniel, insistiendo al actor que su película apesta y lo insultó personalmente.Daniel le dijo a Bruno que sus opiniones eran irrelevantes porque pensábamos que tal declaración era parte de la defensa de figuras públicas.
Estos dos personajes no suelen ser simpáticos, aunque ambos son muy atractivos y afines entre sí, y juntos ejercen nuestros celos y resentimiento hacia la élite social, lo que hace de “Next Door” una cualidad ansiosa, e incluso puede serlo especialmente de esta manera. .Y la conversación entre Daniel y Bruno fue tranquila y agresiva sólo en un sentido pasivo.Al principio era obvio que Daniel no saldría de este umbral, y tal vez ni siquiera quisiera estar en un nivel subconsciente, porque los hombres se utilizan unos a otros para expulsar sus demonios culturales.Descubrieron que el disgusto mutuo va acompañado.En este sentido, la película recuerda a muchos thrillers de Hitchcock, especialmente a “Un extraño en el tren”, que también incluye a un agente caótico llamado Bruno.
El guión muestra las diversas explicaciones de Bruno a Daniel, la razón más clara de las cuales es el resentimiento de Bruno por la tensión unos días antes de la reunificación de Alemania.Bruno inicialmente afirmó simpatizar con la Stasi, dada la crisis financiera en Alemania del Este en relación con Alemania Occidental, la brecha social entre la Stasi y Daniel y Bruno era paralela.Sin embargo, esta idea nunca ha sido examinada en profundidad y, de hecho, existe como decoración de ventana para la escena del rastreador.Sin embargo, Brühl quiere respetar la calidad de la vida cotidiana, especialmente la forma en que los hombres disfrutan del lujo en la decepción, y se confunde con demasiado temprano en el día, y nunca se ha dedicado por completo a profundizar en los mecanismos del género.Imagínese a un extraño en un tren, sin soltar su dispositivo extasiado.
En la segunda mitad de Next Door, los cabos sueltos y subutilizados continuaron acumulándose, hasta llegar finalmente a un final conscientemente incompleto.El tipo de gracia despreciable que estas personas recibieron al final de la película los unió en un ambiente desolado y los unió a través de enormes barreras sociales.Esto muestra un punto de inflexión más que una conclusión, lo que nos hace sentir mejor.Está lista una película de pareja anormal que nunca se hará realidad.Este misterio inexplicable es, de hecho, consistente con el diseño de la película, reconociendo la desigualdad, que a menudo afecta nuestras vidas, generalmente sin comentarios ni catarsis.En el caso de “Next Door”, esa conclusión es más válida desde el punto de vista teórico y parece ser una estrategia de salida para los cineastas que aún no han pensado completamente en el final.
Actores: Daniel Brühl, Peter Kurth, Aenne Schwarz, Nils Doergelo, Rike Eckermann ), Vicky Krieps (Vicky Krieps) Director: Daniel Brewer (guionista): Daniel Kehlmann (Daniel Kehlmann) Duración de estreno: 94 minutos Clasificación: NR Año: 2021
Esta película insinúa la fusión de las películas Eco Doctor y Acid Western, y esta diferencia entre diferentes géneros genera una misteriosa atmósfera de tensión.
“A Shape of Things Come” de Lisa Malloy y Mónaco (JP Sniadecki) insinúa la fusión de los documentales ecológicos y el desolado oeste ácido, y las diferencias entre estos géneros provocaron una tensión misteriosa.A veces, Sundog, el recluso de larga barba en el centro de la película, es como un hippie entretenido, bebiendo cerveza, bailando en un bar local, leyendo novelas y disfrutando con varios animales en un ecosistema de rancho temporal. Vive en el Desierto de Sonora cerca de la frontera con México.En otros lugares parecía tener dientes, apuntaba con un rifle de alto poder a la torre de vigilancia, patrullaba el coche de la Patrulla Fronteriza con desdén y hacía berrinches.Es posible que te encuentres dividido, ya sea viendo la película para celebrar la autosuficiencia de una persona, en esta era dependemos profundamente de Grid, o preocupándote de que sea una persona extraña y moralista que expresa su insatisfacción a su manera. del excepcionalismo social.Para Sundog, este es su camino o autopista.
La forma de lo que vendrá está inmersa en gran medida en la vida diaria de Sundog.Esta película recuerda a la gente lo fascinantes que son los contornos de varios procesos cuando los artistas tienen la confianza de observar su tema pero no están interesados (en este caso, desde la caza y matanza de animales por parte de Sundog hasta su recolección de sapos en medio del veneno nocturno). .Permítales cumplir con la narrativa prescrita.Esta voluntad de abandonar la narrativa tradicional coincide con la evitación de la sociedad tradicional por parte de Sundog.La vida de Sundog parece estar libre de ruidos, desde la dureza de los anuncios hasta el discurso político polarizado, sin excepción.Una de las escenas más emocionantes de la película es que simplemente se baña en una bañera al aire libre, escucha sonidos naturales y disfruta de un momento de reflexión y comodidad.Cuando se hundió en el agua, fue como si regresara al útero.
Una cierta expectativa de violencia, sumada a la ambigüedad del entorno creativo de la película, impidió que “La forma de las cosas” se convirtiera en una celebración amable y encantadora, viviendo su propia vida a su manera.La fotografía temblorosa de Malloy y Sniadecki exuda una sorprendente textura neurótica, que recuerda a las pinturas de paisajes de Vincent van Gogh.En las primeras imágenes, Sundog fue fotografiado de manera oblicua mientras caminaba entre varias plantas, lo que sugiere pinceladas locas y refleja el inquieto espacio mental de Sundog.La película también utiliza símbolos más obvios, como las tomas de presagio del avión (el mensajero de la corrupción y la contaminación en el mundo de Sundog) y las tomas de premonición de la serpiente de cascabel, que también pueden ser una interpretación de la temperatura de la creciente frustración de Sundog..Se utiliza junto con el programa de seguimiento de Broder Patrol.Momentos tan locos, especialmente en escenas en las que Sundog parece haber cometido delitos graves, nos hacen preguntarnos si en realidad estamos viendo un documental o si nos acercamos más a un thriller experimental.
En “La forma de las cosas en el futuro”, de 77 minutos, Malloy y Sniadecki invitan al público a leer varios significados profundos e inquietantes en el título de la película.Puede insinuar el loco desarrollo de Sundog, o la locura del mundo de metal y plástico que construimos casi a partir de la herencia de la naturaleza, o ambas cosas.En esta situación bastante inquietante, se podría sentir que Sundog sucumbiría a la moderna maquinaria de la empresa, porque su comprensible ira podría socavar su capacidad para disfrutar del pequeño y excelente santuario, en el que luchó en una tierra de tolerancia..
Directora: Lisa Malloy (Lisa Malloy), JP Sniadecki Estreno: Grasshopper Movie Tiempo de estreno: 77 minutos Clasificación: Indeciso Año: 2020
Esta película aterrizará y aterrizará como una expresión de confianza ilimitada en nuestra humanidad común.
“Raya y el último dragón” de Don Hall y Carlos López Estrada (Raya y el último dragón) trae Disney y otros eventos de entretenimiento recientes de Disney. Por ejemplo, Moana se enriquece y mejora vívidamente.Tienen mentes maduras, algunos elementos de trama extensos y están comprometidos a mostrar una variedad de culturas y avatares asiáticos en la pantalla: The Last Chizong.Por supuesto, aunque la serie de Nickelodeon se basa en las tradiciones del este asiático, la película incorpora cuidadosamente elementos de los países del sudeste asiático (incluidos Vietnam, Camboya y Laos).
Sin embargo, en la vasta diversidad estética y de construcción del mundo, Raya y “El último dragón” recuerdan más obviamente la experiencia de ver la película “Star Wars”.El viaje de Raya (Kelly Marie Tran) de tierra en tierra -desde el mercado flotante de Talon hasta el palacio de mármol del Arca- tiene sus propios rituales, paletas y temas únicos (por ejemplo, en Talon, la artista está vestida como un bebé dulce).Adele Lim (el loco rico de Asia) y el guión del dramaturgo Qui Nguyen, sin sacrificar el impulso de la legendaria historia del protagonista, revelaron de manera fascinante el mito del mundo de fantasía en constante expansión.
Al comienzo de la película, Kumandra es un reino destrozado destruido por violentos enfrentamientos entre cinco países aislacionistas y perseguido por Druun, un monstruo parecido al smog que convertirá a miles de ciudadanos en piedra.Seis años después de que su padre (Daniel Dae Kim) sufriera este flagelo, Raya busca reconstruir una gema mágica destrozada y hacer que una vez salvó a Kumandra y exiliara a Druun) El dragón legendario resucite.
Si este tipo de trama se desarrolla con la estabilidad y previsibilidad de los videojuegos (en cada país), Raya conseguirá otra joya y reclutará miembros para su sucio equipo de aventureros, el exuberante paisaje y la evolución de Raya evitarán cualquier sensación de repetición.Fundamentalmente, Raya tiene un problema de confianza: fue su propia creencia falsa en la vecina "nerd del dragón" Gemma Chan (Gemma Chan) cuando era joven lo que llevó a la destrucción de la gema y la liberación de Druun.Cada uno de los nuevos compañeros de Raya la obliga a enfrentar su miedo a perder la confianza, y esta película es un buen reflejo de los demonios de las niñas en el ámbito geopolítico, y los cinco países se niegan a unificar las amenazas que enfrentan.
Como salvadora de Raya, el dragón de agua Sisu, Awkwafina ofrece una interpretación sonora de escena robada única, que inevitablemente recuerda a Robin Williams de Aladdin de Disney.) El mago.En el contexto sublime de la fantasía épica de las alturas, Awkwafina habla rápido y se autocrítica.Está familiarizada con sus papeles cómicos anteriores.Parece que ella es de otro mundo y una figura contemporánea en un paisaje fabuloso.Siguiendo la gran tradición de Disney, en Raya y El último dragón abundan los amigos encantadores, como algunos bichos de las pastillas y algunos Alan Tudyk de Amadelo., Haciendo el papel de mascota y de transporte al mismo tiempo, además del Capitán Boun (Izaac Wang), un niño cocinero y capitán, su familia fue arrojada a Druen.
Aunque Raya es una heroína valiente y noble, tiene una admirable confianza en sí misma en su inteligencia y fuerza, pero el shock de Namari al traicionarla deja un regusto inquebrantable, que en ocasiones la hace actuar impulsivamente con ira o venganza.El fantasma enojado de la niña trajo cierto grado de peligro a esta prolongada batalla, que parecía ir más allá de la habitual discreción de Disney.A través de sus habituales batallas de artes marciales con Namaari, o batallas con armas y combate cuerpo a cuerpo, la feroz coreografía muestra que estas dos jóvenes son mortales y peligrosas entre sí.Para Raya, la refrescante frivolidad se basa en la congelada agitación interior de la Reina Arendelle, la Reina Elsa, que pide al público que acepte las imperfecciones de la heroína, incluso si a veces sienten miedo en la acción.Estos conflictos violentos no son los únicos elementos de la película que persisten en la oscuridad: cuando Raya y Sisu se encuentran con Tong (Benedict Wong) de pie, solo en estado de destrucción, la mirada de Raya se detiene en la cuna vacía en un rincón. La pérdida de iluminación sin decir una palabra es demasiado dolorosa para discutirla.
Raya y el último dragón evitan un final más oscuro y agridulce, para poder salir fácilmente del apuro: en la escena final, la mortalidad y la desesperación sin fondo se revierten fácilmente.Sin embargo, es posible que este público joven no necesite que las películas de Disney les digan que, como el Druun descrito por Sisu, “la plaga derivada de la falta de armonía humana” causará un daño duradero.En sus propios términos magníficamente descritos, la película utiliza el lugar de aterrizaje como una celebración de la esperanza, mostrando cómo será una confianza ilimitada en nuestra humanidad común.
Actores: Kelly Marie Tran, Awkwafina, Jemma Chan, Daniel Dae Kim, Sandra Oh, Ben Benedict Wong, Izaac Wang, Talia Tran, Alan Tudyk, Lucille Soong, Patty · Harrison (Patti Harrison), Ross Butler (Ross Butler) Director: Don Hall, Carlos López Estrada (guionista), Adele Lim Estreno: Walt Disney Studios Motion Pictures Tiempo de estreno: 107 minutos Clasificación: PG Año: 2021
La película no logró captar efectivamente cómo la experiencia de vida y trabajo de su protagonista afectó su vida como persona y artista.
Basada en las memorias homónimas de Joanna Rakoff, “Mi año Salinger” del escritor y director Philippe Falardeau, ambientada en los años 1990, tomó un camino ruinoso, siguiendo a los dos Joanna (Margaret Querley), en su adolescencia, intentó comenzar su carrera como escritora y Esperaba que se destacara en su trabajo actual como secretaria de la Institución Literaria de Nueva York.Su trabajo es un detalle que distingue esta adaptación de muchas otras películas que escritores ambiciosos intentan adaptar en las grandes ciudades, porque la jefa de Joanna, Margaret (Sigourney Weaver), representa. Con el solitario escritor JD Salinger de El guardián entre el centeno, esta joven se da cuenta de la ilusión común de contacto cercano con héroes literarios.Sin embargo, esto también significa que la película está llena de referencias de moda a obras y personajes literarios rotos, y esta familiaridad rápidamente se vuelve mediocre.
La trama a lo largo de la historia describe el trabajo de Joanna en la agencia de fotografía, su vida personal y la trama de su lucha por convertirse en escritora, entrelazadas a medias, como si estuvieras viendo dos películas diferentes.Aunque Joanna es uno de los misterios más legendarios del mundo literario, Joanna cree que su trabajo es solo un trampolín hacia su carrera, y esta ambivalencia parece haber desaparecido en la narración de Falado.
Dado que “Mi aniversario de Salinger” no logró comprender de manera efectiva cómo su vida y su experiencia laboral afectaron su vida como persona y artista, Joanna se sintió como en blanco.Excepto por el momento en que dijo que publicó dos poemas, casi no sabíamos nada sobre su escritura y su proceso.En este caso, su novio narcisista Don (Douglas Booth) está escribiendo esta novela, que ha llamado mucho la atención de Falado, lo cual es un poco irrazonable.dirección.
Hubo al menos algunos momentos emocionantes que activaron mis años de Salinger, nada más que el reconocimiento de los fanáticos del centeno entre los vigilantes.En las instituciones literarias, la tarea de Joanna es responder a las supersticiones de Salinger con respuestas escritas de antemano por impersonales décadas atrás.Mientras los fans miran a la cámara mientras leen la carta, la película cuenta implícitamente que la huella de una gran obra atrae a todo tipo de lectores y, al mismo tiempo, parece escrita para un solo lector.Según la política de la empresa, fue aún más escalofriante cuando Joanna cortó en pedazos una carta de un fan inmediatamente después de completar su respuesta.
Pero la elocuencia inicial sobre este ángulo se convirtió en torpeza, cuando Joanna comenzó a imaginar que un fan en particular (Theodore Pellerin) era una conciencia imaginaria, y Falado usó este personaje para expresar múltiples expresiones.El subtexto de la escena.La aparición de este tipo de recurso argumental en una narrativa que de otro modo sería sencilla me recordó inadvertidamente una historia anterior en “My Saling Year”, cuando Joanna era una pícara y respondió a un seguidor con sus propias palabras en una carta de.Joanna le dijo a una estudiante de secundaria que se inspirara en Holden Caulfield y pensara por sí misma.Es difícil no pensar que la película en sí debería haber escuchado sus consejos.
Actores: Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Brian Obern, Théodore Pellerin), Colm Feore (Colm Feore), Senna Haq (Henza Haq) Director: Philippe Falardeau Guión: Philippe Falardeau Estreno: IFC Film Festival Tiempo de proyección: 101 Minute Rating : Año R: 2020
La diferencia entre el cine y la noticia ordinaria, y su intervención en la realidad, es la diferencia de tiempo.
Como sabemos por las comedias cómicas, las moscas en la pared pueden convertir cualquier escena en un periódico enrollado, los muebles en una herrería y un caótico vórtice de caótica policía especial que invita al regodeo.Los documentales que vuelan sobre la pared conllevan riesgos similares.Considerando que la conducta de observación cambia necesariamente lo que se observa, los cineastas siempre deben elegir la objetividad de la posición relacionada con su tema; si el tema resulta ser político, esto tendrá consecuencias difíciles.
Algunos registradores aceptaron esta contradicción y registraron su intervención como parte de la realidad que registraron.Por ejemplo, Joshua Oppenheimer (Joshua Oppenheimer) en la "Ley de asesinato" invitó a los perpetradores de asesinatos en masa en Indonesia en 1965-66 reconstruyeron el cruel "heroísmo" frente al inframundo.cámara.Echando un vistazo superficial, Jill Li, la primera cineasta, eligió el método menos práctico del “Curso Perdido”, en el que grabó una escena en Wukan, un pueblo pesquero chino en la provincia de Guangdong.Las protestas polacas llevaron a un experimento democrático fallido.
En la primera parte de la película “Protesta”, cuando los aldeanos de Wu reaccionaron a la venta de tierras públicas por parte de funcionarios corruptos del gobierno, organizaron manifestaciones a gran escala y peticiones colectivas, y fueron apoyados por una huelga general, la cámara de Li cayó en lo más profundo. de la acción..Con el ascenso del movimiento, la película se centra en el núcleo de algunos activistas que parecen tener las mejores intenciones y están decididos a servir como institución estatal de partido único en China.Al final, las protestas obligaron al gobierno a aprobar la solicitud de los aldeanos de celebrar elecciones libres, y los líderes del movimiento fueron llevados rápidamente a un lugar en el comité de la aldea.
La segunda parte “Después de la protesta” estará abierta un año después de las elecciones.El nuevo comité de la aldea cayó en una burocracia y quedó indefenso y no logró restaurar la tierra en Wukan.Al mismo tiempo, los gobiernos de alto nivel han seleccionado a sus dirigentes, formando así una brecha entre ellos y los votantes.Con el paso de los años, a medida que los aldeanos se resignaban ante el lento e inevitable declive de Wukan, su desilusión se fue desvaneciendo.
Ahora que no hay muchas protestas, esto ha abierto espacio para Li: linternas líricas rojas y blancas brillan en un charco de lluvia, o polillas son quemadas por zippo con crueldad desesperada para mostrar el ritmo de la vida diaria y regresar a Wukan.Sin embargo, estas siguen siendo excepciones a la regla de que ella no molesta a la cámara.La regla de la cámara solo presenta la situación cuando ocurre la escena, y el cineasta nunca ha intervenido en su propia política ni ha ejercido juicio sobre los aldeanos (lo que puede explicar a Li la razón por la que se le permitió filmar la película).En primer lugar).Durante todo el proceso, alguien sintió que ella estaba cultivando su confianza.Están acostumbrados a la existencia de la cámara y parecen hablar directamente con las personas detrás de ellos en lugar de con la audiencia imaginaria, e incluso se arriesgan al revelar detalles sensibles.
En el clímax del movimiento, otros equipos de filmación y periodistas aparecieron en la periferia, pero cuando el polvo se calmó, lo que quedó fue la cámara de Li, ahondando en el caos diario de desfiles y espectáculos electorales.La diferencia entre el proyecto de Li y las noticias ordinarias es su intervención en la realidad, que es una diferencia en el tiempo.Por su parte, Robin Li pasó seis años (de 2011 a 2017) luchando por rodar Wukan, y quizás lo más importante, las consecuencias, lo que parece irrelevante, pero es una dedicación al cine integrado, además de sus tres horas de duración. esto le da al curso la fuerza de la pérdida.
Esta película ha dedicado mucho tiempo, no sólo a discutir la lucha de Wu Kan como un proceso político chino a nivel micro, sino también a realizar estudios de personajes de personas relevantes.Incluso cuando su entusiasmo e inocencia, incluso cuando dejaron de luchar, se condenaron unos a otros o persiguieron ciegamente logros pasados cuando el movimiento político estaba estancado, la lente de Li permaneció firmemente comprensiva.Como su política sólo puede insinuarse a través de esta simpatía, deja que el público aprenda de ello y explique la situación.Es común que los individuos sean políticos, pero el “Camino Perdido” recuerda a la gente que los políticos también son individuos.
Si finalmente se estrenó la serie “Bob Esponja”, parece que es el público el que más decepciona al público.
"¿Quién va a zarpar hacia otra aventura que me hará ganar dinero?"Ya en “Película de Bob Esponja: Esponja está corriendo”, se gritó como el jefe de Cangreburger, Cangrejos (Clancy Brown).) Cuando lloré.Calamardo (Rodger Bumpass), el empleado más esforzado de Mr. Crabs, puso los ojos en blanco antes de abandonar el restaurante de comida rápida submarino.Ante una película de mercenarios cínica como esta, es difícil no sentir simpatía por Calamardo, porque el tercer largometraje basado en la querida serie animada de Nick Layton parece estar dirigido principalmente a atraer a los adultos, con estrellas identificables que aparecen en el relieve de acción real.Y películas icónicas.Papel náutico.
Cuando el inútil Rey Poseidón (Matt Berry) secuestró al amado caracol marino mascota de Bob Esponja (Tom Kenny), Gary (también Kenny), para usar su moco para el cuidado de la piel, Bob Esponja y Patricio (Bill) Fagerbakke) se propusieron rescatarlo de la zona perdida. ciudad de Atlantic City, que es “un terrible e infame pozo negro de depravación moral”.Los fanáticos de Bob Esponja sabrán lo mucho que Gary significa para su dueño, y en el campamento de verano, la fiesta de la pareja es linda y seria en retrospectiva.Sin embargo, la “esponja que escapa” a veces está inconsciente y no puede concentrarse en la tarea.En la Ciudad Perdida de Atlantic City, incluso hay un largo tiempo de juego, donde Bob Esponja y Patricio descubren que no siempre pueden concentrarse en ello.
A las series de televisión de Bob Esponja siempre les gustan los momentos aleatorios, y a Sponge on Run tampoco le faltan rarezas inofensivas, como explicó Patrick con ridícula seriedad cuando se presentó una vez: “Mi nombre está en los Celtics.Significa tostadora”.Pero esta lógica torpe aparece más eficazmente en las características pasadas de Bob Esponja, que son una colección de rasgos de carácter lindos e idiosincrásicos.Aquí, la narración en sí misma es absurda.
Una vez que Snoop Dogg y Keanu Reeves aparecen en una larga e indefensa secuencia de sueños, es una distracción, no una ilusión;en la secuencia del sueño, aparecen la planta rodadora ardiendo y la cara de este último., Desafía a Bob Esponja y Patricio a liberar a un equipo de baile carnívoro de hip-hop.El pirata zombie del sedán Diablo (Danny Trejo).Sin embargo, la incomprensibilidad no equivale a la falta de propósito, porque las apariciones de celebridades invitadas parecen estar inventadas con fines de marketing.Kamp Koral, la precuela de esta serie de televisión, se estrena con esta película, y en la última media hora, abandonando una serie de tramas y adoptando una serie de planes de regreso al campamento de verano, esto parece ser parte de una rentable aventura. .
Bob Esponja siempre ha sido lo más extraño y maravilloso es que permite a los niños ver la vida marina como un adulto de un vistazo.Por el contrario, “Bob Esponja” abandonó las icónicas bolas de masa insípidas de la serie y pidió al público que creciera si quería seguir el ritmo (por ejemplo, el festival vulgar menciona “gente somnolienta”. Vómitos por la noche”).
Pocos Sponge on the Run pueden encontrar el punto ideal clásico: ver a los niños como personas capaces de comprender el humor complejo y al mismo tiempo dejarles hablar de farsas estúpidas.La marca narrativa de estilo relevo de la serie a veces se muestra efectivamente aquí, por ejemplo, cuando Patricio y Bob Esponja ven un atisbo de la escena cambiando a la "ventana del mismo tiempo", y cuando discuten sobre si sus aventuras serán más .Tiempo como la película de un amigo o el viaje de un héroe.Sin embargo, la pareja puede sentirse decepcionada al saber que su búsqueda inconexa y aburrida no siguió una estructura tan satisfactoria.Si finalmente se estrenó la serie “Bob Esponja”, parece que es el público el que más decepciona al público.
Actores: Tom Kenny, Bill Fagerbakke, Rodger Bumpass, Clancy Brown, Mr. Lawrence, Jill Tully (Jill Talley, Carolyn Lawrence, Matt Berry, Awkwafina, Snoop Dogg, Danny Te Danny Trejo, Tiffany Haddish, Reggie Watts Director: Tim Hill Guión : Tim Hill Lanzamiento: Paramount + Tiempo de lanzamiento: 91 minutos Clasificación: PG Año: 2021
Las películas de Anthony y Joe Russo nunca pueden escapar del vacío inherente al papel de Cherry.
Tom Holland presenta una mirada delgada y hambrienta al comienzo de “Cherry” de Anthony y Joe Russo, en la que vemos a los personajes del mismo nombre con una forma asombrosa de robar bancos con la mitad de sus activos.El joven carecía de planes y no sabía nada de las consecuencias, en parte porque era adicto a los opioides.Sin embargo, como revela el resto de la adaptación de la aclamada novela semiautobiográfica de Nico Walker de 2018, la combinación de ignorancia y Lu impulsó su desarrollo e incluso se volvió adicto en Irak.Antes del camino.Chery dijo en la narración: "Este año tengo 23 años y alargué las partes anteriores y más activas de la película, pero todavía no entiendo lo que hace la gente".El centro (si lo hay) simplemente no tiene lugar.
Después de las palabras iniciales, la película se acortó cinco años hasta 2002, cuando Cherry había sembrado las semillas de su futura autodestrucción.Así como Holland jugó con brillante encanto, incluso si se encontraba en la situación más devastadora y perdida, la cereza todavía rebotaba de manera un tanto aleatoria en su vida.En primer lugar, escuchamos mucho de él; literalmente, estaba contando sus falsos intentos de capturar la vida, mientras pasaba tiempo en Cleveland y pasaba tiempo con amigos sin ningún lugar y participaba en falsos Together en el trabajo.Más tarde, debido a que una serie de decisiones equivocadas restringieron sus opciones, no tendría nada que decir.
En el piloto automático de la Universidad Jesuita, la compañera de Cherry, Emily (Ciara Bravo), se sintió muy pesada y le mostró al público cómo se veía: una brillante y hermosa modelo de confianza en sí misma, su autoconciencia y su astuto humor coincidían con los suyos.Aunque la vida de Emily parece ser más armoniosa, al final ella todavía está llena de misterios en la película como la vida misma está en la cereza.Su relación es inestable pero inestable.Después de pelear con Cherry, quedaron aún más impresionados cuando Cherry se unió al ejército durante el período más intenso de la guerra de Irak.De manera más impulsiva, se casaron antes de que él se fuera.
La parte media de Cherry se remonta al servicio militar de nuestra protagonista y es la más convincente.Para una película de 20 minutos que se ha estrenado durante demasiado tiempo, toda la secuencia de entrenamiento básico parece muy redundante.Lo absurdo de la vida militar pone de relieve una vez más la pérdida de Cherry en este mundo que para él parece ser sólo una broma de mal gusto.En Irak, Russos describe algunas escenas de acción a gran escala con imágenes impresionantes, pero no está seguro de equilibrar la experiencia de Cherry como médico de combate con el trauma emocional causado por el humor de ictericia.
En los Estados Unidos, debido a la falta de orientación, la vida de Cherry colapsó rápidamente debido a la confusión del trastorno de estrés postraumático.Él y Emily se obsesionaron con la heroína, lo que a corto plazo los llevó a caprichos como robar dinero a los traficantes, problemas de flujo de caja y robos a bancos.En comparación con las escenas anteriores, la nueva vida criminal de la pareja y los desafíos que enfrentan en el abuso de drogas y la desintoxicación tienen mayor inmediatez y dramatismo que las escenas anteriores, y las escenas anteriores tienden a verse desde la distancia o incluso desde desarrollos significativos.Pero esta película aún no puede escapar del vacío inherente del papel de Cherry.
Al vincular la catástrofe de la guerra en el extranjero con la catástrofe de la adicción en casa y la falta de rumbo de Cherry ante Irak, los realizadores parecen dar a entender que Estados Unidos es propenso al peligro y no sabe nada de riesgos.Sin embargo, aunque esta película involucra muchos temas calientes y está llena de eventos y sentido del humor, su estilo consciente (desde la narración directamente a la cámara hasta la cámara lenta y técnicas visuales como borrar todo el fondo y hacer que los personajes aparezcan repentinamente en Los colores brillantes: las representaciones simples lo privan de la oportunidad de decir mucho. El cineasta toma decisiones extrañas y termina con vagas esperanzas, pero no hay diálogo que ayude a explicar la cereza de su vida. Los cambios que pueden ocurrir solo enfatizan su incapacidad para articular sus ideas. papel principal, en lugar de perderse.
Actores: Tom Holland, Ciara Bravo, Jack Reynor, Jeff Wahlberg, Forrest Goodler K (Forrest Goodluck), Michael Gandolfini (Michael Gandolfini), Michael Rispoli (Michael Rispoli), Daniel R. Hill (Daniel R. Hill) Directores: Anthony Russo , Joe Rose Guionista: Angela Russo Osto, Jessica Goldberg Estreno: Apple TV + Duración del espectáculo: 140 minutos Clasificación: R Año: 2021
Si el mundo fuera del Supermercado Veran está lleno de pobreza y criminalidad, entonces no lo entenderemos desde este pequeño capullo.
Para el director Tali Yankelevich, es fácil pintar un retrato humilde de una tienda de comestibles brasileña en el corazón del supermercado My Darling, donde la atención se centra en el desperdicio, los trabajadores con salarios bajos y los activistas raciales.Después de todo, Brasil es un país definido por la desigualdad de ingresos y la lucha de clases.En cambio, Yankelevich optó por algo más interesante, usando una cámara deslizante, música caprichosa y la belleza del algodón de azúcar, haciendo que el Supermercado Veran en São Paulo pareciera las Galerías Lafayette en París.
Aquí no hay insatisfacción ni injusticia, sólo estantes blancos, productos deliciosos y trabajadores a quienes les encanta trabajar.Algunos incluso admiten haber establecido contacto con los clientes.Otros se jactan de la variedad de personas con las que entran en contacto todos los días.La relación entre colegas en el sueño es de la época universitaria.Si el mundo exterior está lleno de pobreza y criminalidad, entonces no lo sabremos desde este pequeño capullo.
El enfoque fantástico de Yankelevich fue tan decidido y coherente que la película nunca pareció realmente un anuncio de un país sanitario inexistente.Por lo tanto, mi Darling Supermarket está más cerca de la ensoñación, el retrato de un lugar demasiado concentrado, y este lugar ignora felizmente la macrorealidad circundante.Mientras la cámara de Yankelevich flota por el espacio de la tienda, ella reunió viñetas de observación y testimonios de su empleador, anécdotas que a menudo hacen de Gonzo una realidad.En el proceso, la cámara humaniza a la fuerza laboral normalmente invisible.
Yankelevich no les robó historias deliciosas, sino que pidió a los trabajadores que nos contaran sus pasiones, peculiaridades y sueños.Conocimos a un estibador de almacén que estaba obsesionado con los juegos de construcción de ciudades y sospechaba que alguien encontraría su lugar de trabajo digno de atención cinematográfica.George Orwell fue un profesional histórico, portero cantante, teórico de la conspiración y teórico de la conspiración.Una amante del anime de habla japonesa, una empleada persuadida rondan el supermercado y un guardia de seguridad que espera que su cámara de vigilancia pueda determinar el paradero de su hijo.
Lo más sorprendente es que aunque nunca sentimos que la cámara pasara tanto tiempo con ellos, todos sus problemas existían.Como si estuvieran llenos de todo tipo de profunda contemplación en el aburrimiento y el automatismo, esto hizo que su trabajo fuera más aburrido y finalmente encontró una audiencia dispuesta.Quizás ésta sea la motivación interna de la forma documental: la cámara atrae a extraños que necesitan oyentes tardíos.La razón por la que Yankelevich hizo justicia no fue por su superioridad moral, sino porque reconocieron la riqueza de las cosas que soñaron y soñaron con ellos.
Crisis, de Nicholas Jarecki, es un thriller procesal diseñado para abordar la corrupción y los fracasos que condujeron a la epidemia de opioides en los Estados Unidos.La estructura de esta película es la razón de su existencia, que es el foco principal de la imaginación de Jarecki, porque el director y el director han creado tres líneas argumentales que muestran cómo se alimenta la adicción a los opioides en diferentes clases de la sociedad: Hombres de negocios en la calle con farmacéuticos turbios.A estas universidades, las compañías farmacéuticas les proporcionan a los profesores una alta financiación para que "marquen de forma ecológica" sus investigaciones;Entre Canadá y Estados Unidos, los organismos encargados de hacer cumplir la ley realizan transacciones con traficantes.La guerra en curso.Al priorizar el proceso del sistema en lugar del protagonista, “Crisis” invita casi deliberadamente a comparaciones con cualquiera de las películas de Steven Soderberg.
La influencia de los procesos profesionales en las relaciones interpersonales es la principal obsesión de Soderberg como artista, y todo, desde sus sensacionales obras hasta sus experimentos de baja fidelidad, surgió.Se le da bien utilizar un solo sufrimiento humano para informar temas de conversación y procedimientos potencialmente aburridos, como los dolorosos primeros planos de Benicio del Toro en Traffic y los inquietantes La especificidad clínica y el miedo al formato de Kromberg han llevado a la difusión de enfermedades infecciosas.Por el contrario, la realización cinematográfica de Jarecki tiene una calidad estimulante de ida y vuelta, lo que implica que los tres pilotos de televisión se unen al azar para demostrar un punto obvio.Es posible que Jarecki no esté seguro de si su tema centrado en los opioides es suficiente para sustentar una película, por lo que recurre a los clichés de la venganza criminal, desde la madre vengadora hasta la policía; es demasiado honesto para este mundo frágil.La crisis acabó con un aburrido final de 30 minutos.
En la actividad de arbitraje, Jarecki confundió hábilmente melodramas con activistas, utilizando la seductora actuación de estrella de cine de Richard Gere como un magnate de los fondos de cobertura, haciéndonos atractivos. La disfunción social de la fuerza es confundida por los arquitectos.Martin Scorsese (Martin Scorsese) en “El lobo de Wall Street” (El lobo de Wall Street) intensificó este truco de atraer a la audiencia al extremo, admitió que la codicia social es nuestra propia amplificación, al mismo tiempo que ofreció hacer a la audiencia la diversión de ser capaz de manejar hábilmente el mal comportamiento sin ninguna consecuencia.
La crisis demostró que Jarecki había olvidado esta técnica, porque los peones rígidos probaban o estimulaban estereotipadamente a la audiencia, y no los distraían, excepto por algunas sugerencias obligatorias que los guionistas detrás de escena sugirieron que el guionista marcara la casilla.Al tratar con los gánsteres canadienses y armenios del fentanilo, la determinación del agente secreto de la DEA Jack Kelly (Armie Hammer) nunca ha sido torturada ni censurada, y la adicta Claire (Evangeline Lilly), que se recupera mientras investiga la fatal sobredosis de drogas de su hijo, apenas parpadeó.Ser asesinado.Algunas personas piensan que la muerte de un hijo por la elección de las drogas por parte de la madre conducirá a posibles recaídas y a ciertas percepciones o incidentes que estaban investidas de presión de supervivencia, pero esta posibilidad sólo ha sido borrada.En cambio, Jake y Claire son considerados héroes de películas de acción.
La historia más ambiciosa y posiblemente inquietante de la crisis es también la más ridícula.La Dra. Taryn Brower (Gary Oldman), un científico y educador veterano que ha estado experimentando con una moneda de diez centavos de una gran compañía farmacéutica (Big Pharma) durante muchos años, se sorprendió.Los donantes pueden querer algo a cambio, es decir, aprobar una droga ficticia, supuestamente no adictiva, que puede ser más letal que las drogas letales.Oxycam.Teniendo en cuenta la experiencia profesional del personaje, la ingenuidad de Tyrone, interpretado histéricamente por Alderman, parece ridícula, y Jarecki desperdició aquí las mejores ideas de la película.
Cuando Tyrone amenazó con informar al informante, las universidades y las compañías farmacéuticas desenterraron una vieja reputación de acoso sexual, lo que lo hizo notorio, aunque nunca se descubrió el impacto emocional de esta amenaza y la hipocresía de Tyrone como una persona que se creía que era la verdad.De hecho, el cineasta quedó tan sorprendido por la vida interior de sus distintos personajes que incluso ignoró la influencia del famoso matrimonio de Tyrone en su matrimonio.La crisis ha cambiado una y otra vez el elemento humano de la historia, es decir, el drama, a cambio de estadísticas sobre drogas que Google puede buscar en unos segundos.
Actores: Gary Oldman, Arme Hammer, Evangeline Lilly, Greg Kinnear, Kid Cudy (Kid Cudi), Luke Evans, Michelle Rodriguez, Indira Vama (Lily-Rose Depp), Mia Kirchner (Mia Kirshner, Michael Aronov, Adam Suckman, Veronica Ferres , Nicholas Jarecki, Daniel Jun ), Martin Donovan Director: Nicholas Jarecki Guión: Nicholas Jarecki Estreno: Quiver Tiempo de estreno: 118 minutos Clasificación: R Año: 2021
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Hora de publicación: 02-mar-2021